L'histoire

Il y a neuf ans, Marion et Grégoire ont vécu une brève histoire d'amour. Aujourd'hui, ils se croisent par hasard Gare d'Austerlitz, entre deux trains. Lui arrive. Elle repart. Elle dispose de quatre-vingts minutes avant que son train ne parte. Ce sont leurs retrouvailles, leur dernière chance de faire le point sur leur vie, leurs vérités, leurs regrets et leurs souvenirs communs.

Le pitch est d'une simplicité trompeuse.

Mais c'est précisément dans cette contrainte dramaturgique — l'unité de lieu, l'unité de temps, la pression du quai — que Pierre Filmon a trouvé son espace d'expression. Entre deux trains fonctionne comme une mécanique d'horlogerie : chaque minute compte, chaque mot pèse, et le spectateur est soumis à la même urgence que les personnages. On pense évidemment à Linklater et à Before Sunset, ou à Varda et à Cléo de 5 à 7 — des références que la presse a d'ailleurs évoquées spontanément — mais le film de Filmon possède une grammaire qui lui est propre, construite autour du plan-séquence comme principe de mise en scène, et non comme effet stylistique.

La genèse du projet

Le passé de Marion et Grégoire n'est pas sorti de nulle part. Pierre Filmon avait écrit au début des années 2000 un premier scénario mettant en scène ces deux personnages — une histoire d'amour se déroulant à l'hôpital maritime de Berck-sur-Mer. Ce film ne s'est jamais fait. Les personnages sont restés dans un tiroir pendant une quinzaine d'années, avant de ressurgir sous cette nouvelle forme : deux anciens amants, un quai de gare, une poignée de minutes volées au temps. C'est souvent ainsi que naissent les meilleurs projets — non pas d'une idée neuve, mais d'une idée qui a mûri assez longtemps pour trouver sa vraie forme.

Entre deux trains est le premier long-métrage de fiction de Pierre Filmon, après Close Encounters with Vilmos Zsigmond (2016), documentaire sur l'immense directeur de la photographie américain d'origine hongroise, présenté en Sélection Officielle à Cannes Classics. Ce n'est donc pas un premier film au sens d'un coup d'essai : c'est une œuvre portée par quelqu'un qui connaît le cinéma en profondeur, qui sait ce que filmer veut dire, et qui choisit délibérément la contrainte comme moteur de création.

Un casting d'exception

Le film repose sur quatre acteurs.
Laëtitia Eïdo incarne Marion. Connue en France notamment pour la série Fauda et pour Tel Aviv on Fire, elle apporte à ce rôle une complexité rare — une femme qui a fait des choix, qui les assume, et qui se retrouve soudainement confrontée à ce qu'elle aurait pu vivre autrement. Sa présence à l'écran est d'une densité remarquable.

Pierre Rochefort est Grégoire. Figure montante du cinéma français, remarqué dans Un beau dimanche de Nicole Garcia et dans Le Bureau des Légendes, il déploie dans ce film une palette émotionnelle d'une grande justesse — entre l'homme qui arrive et celui qui ne sait pas encore ce qu'il cherche. Ce rôle lui vaudra le Prix du Meilleur Acteur au 32è Festival de Cinema de Girona, en Espagne.

Ronald Guttman et Estéban complètent le quatuor dans des rôles dont la discrétion narrative contraste avec leur impact dramatique.

Une production à l'os et une exigence totale

Produit par Almano Films (Pierre et Claire Filmon, Matthieu Deniau), Prodigima Films (Nicolas Baby et Romain Gaboriaud) et Le Studio Orlando (Philippe Grivel), le film a été conçu dans une économie de production radicale. Pour un long-métrage sorti en salles, c'est un exploit industriel autant qu'artistique.

Ce budget contraint n'a pas été subi : il a été choisi. Pierre Filmon a construit son dispositif de tournage en fonction de cette réalité économique, en faisant de la contrainte un principe artistique. Le résultat : un film tourné en une semaine à Paris, en extérieur, dans des lieux publics, la Gare d'Austerlitz, le Jardin des Plantes, le café maure de la Grande Mosquée, avec une équipe réduite et une préparation millimétrée.

En tant que producteur délégué, mon travail sur ce type de projet consiste précisément à rendre viable ce qui paraît a priori impossible : structurer le financement, sécuriser les conditions de tournage, coordonner les partenaires, et veiller à ce que la vision artistique du réalisateur ne soit jamais compromise par les impératifs de production. Sur Entre deux trains, cela a exigé une grande rigueur et une confiance totale entre les équipes.

Image : Olivier Chambon AFC, dont la direction de la photographie a d'ailleurs été récompensée par le Prix de la Meilleure Photographie au 4è Festival du Cinéma Zsigmond Vilmos en Hongrie.

Musique : David Hadjadj
Musique originale composée, dirigée et interprétée par ses soins, avec violon (Noémie Poumet) et violoncelle (Catherine Doise), enregistrée et mixée au Studio 13 à Paris. Sa partition a reçu le Prix de la Meilleure Musique au FIMUCITÉ de Tenerife, en Espagne.

Montage : Anouk Zivi.

💀 Post Mortem

12 minutes
Écrit et réalisé par Pierre-Jean Carrascosa
Production Prodigima

Vincent, la trentaine, se suicide. Il se réveille dans une chambre d'hôpital. Sauf qu'il est déjà mort. Deux hommes portant les stigmates de la mort l'amènent à rencontrer M. Lemarchand, qui s'emploie à lui trouver un emploi post-mortem. Vincent se retrouve contraint de traiter mécaniquement une infinité de documents. Poussé une nouvelle fois par le désespoir, il tente de se suicider à nouveau. Mais il est déjà mort.

Post Mortem est avant tout un film sur l'absurde bureaucratique : la mort n'y libère pas, elle intègre Vincent dans un système encore plus mécanique et implacable que celui qu'il a fui. Pierre-Jean Carrascosa signe une écriture serrée, sans fioriture, qui flirte avec Kafka sans jamais singer le registre littéraire. Le film tire sa force d'un principe simple et radical : et si l'au-delà n'était qu'un service administratif de plus ?

Côté production, le défi était de fabriquer un univers visuellement cohérent, légèrement hors du temps, avec les contraintes inhérentes au format court. La direction artistique joue sur des tons froids, une lumière d'hôpital, des décors volontairement neutres qui amplifient le sentiment d'enfermement. Douze minutes pour installer un monde entier : c'est l'exercice de style que s'est imposé le film, et il le tient.

🔥 Do Me Hard

26 minutes
Écrit et réalisé par Fairouz M'Silti
Co-production Vagabundo Films & Prodigima
Avec Olivia Csiky Trnka, Mayya Sanbar, Yasin Houicha et Farouk Bermouga

Anouk, comédienne extravertie au caractère affirmé, et Sima, étudiante réservée et musulmane pratiquante, sont voisines de palier mais n'ont rien en commun. Sauf le culte qu'elles vouent toutes deux, à leur insu, à la pop star Beanie Sparks. Un film féministe, pop et décomplexé.

Do Me Hard est le troisième court-métrage de Fairouz M'Silti, après Pleased to Meet You! (2015) et Caramel Surprise (2016), tous deux également diffusés sur France 2. Une cohérence de parcours qui dit quelque chose sur son écriture : des histoires de femmes contemporaines, des duos contrastés, une comédie qui ne sacrifie jamais la complexité des personnages au profit du gag.

Côté financement, le film a bénéficié d'un accompagnement solide : soutien de la Région Occitanie, CNC COSIP, aide à la Diversité du CNC, aide à la réécriture, et dispositif Talents en Court. Un dossier construit, pas un film de circonstance. La participation de France 2 en pré-achat et la distribution assurée par Miyu Distribution lui ont garanti une exposition réelle au-delà du circuit festivalier, le film a été diffusé dans l'émission Histoires Courtes sur France2.

Do Me Hard représente un modèle de co-production équilibrée entre Prodigima (Toulouse) & Vagabundo Films (Paris), où chaque structure apporte sa complémentarité géographique et ses réseaux. Le film illustre comment un projet ancré en Occitanie peut s'intégrer pleinement dans l'économie nationale du cinéma de court.

🌳 Woods

Film musical
Co-réalisé par Noémie Phillipson & Marie Pons
Production Prodigima

L'aube. Sept corps dansent dans la lumière douce d'une forêt. Trois d'entre eux s'échappent pour un solo urbain, sous le soleil brûlant. Une parenthèse dansée, où le temps s'étire au rythme de la voix et des riffs de guitare de David Authié.

Woods se situe à la frontière de plusieurs disciplines : cinéma, danse contemporaine, et film musical. Ce n'est pas un documentaire sur la danse, ni un film chorégraphique au sens strict. C'est un objet à part, qui utilise le mouvement des corps comme matière narrative. La musique de David Authié traverse le film comme un fil continu, donnant à chaque geste une résonance précise.

La co-réalisation Noémie Phillipson & Marie Pons traduit une complémentarité réelle : deux regards qui coexistent plutôt qu'ils ne se fondent. Le film articule deux espaces radicalement opposés : la forêt à l'aube, silencieuse et diffuse, et la ville en plein soleil, dure et exposée, qui structurent le récit en deux parties distinctes, sans rupture de ton.

Woods représente un investissement assumé dans le cinéma sensoriel et expérimental : un format sans dialogue, sans narration conventionnelle, qui assume pleinement son ambiguïté générique.

🍎 Bench

6 min 30
Réalisé par Noémie Phillipson
Production Prodigima

Jo est assis à un étalage de fruits, au bord d'une route de campagne. Il en a marre. Il regarde le soleil, sa montre, le sol, les mouches. Au loin, un homme sur un banc : Félix, qui regarde sa montre, se lève, fait les cent pas, se roule une cigarette. Deux solitudes en miroir, un minimalisme radical.

Bench est le film le plus épuré du catalogue. Noémie Phillipson y travaille l'économie du récit à son point limite : deux personnages, une route, le soleil, l'ennui. Pas de dialogue, pas d'explication. Le film tient sur la précision du cadre et sur la durée. Ce sentiment de temps qui s'étire qu'elle restitue avec une maîtrise étonnante en six minutes trente.

Ce qui frappe à la vision, c'est la cohérence entre le fond et la forme : le film parle d'attente, et il fait attendre. Il parle d'ennui, et il prend le risque de l'ennui. Un pari formel assumé, qui suppose une confiance totale dans les interprètes et dans la construction visuelle.

Bench et Woods, tous deux réalisés par Noémie Phillipson, seule ou en co-réalisation, forment un diptyque informel au sein du catalogue de Prodigima : deux films sans parole, deux approches du corps et du temps, deux exercices de style complémentaires qui dessinent une voix singulière.

🎭 Pièce pour 3 personnages

20 minutes
Écrit et réalisé par Julie Cail
Production Prodigima

1930. Un vendeur d'allumettes se retrouve coincé dans une cave avec deux malfrats qui ignorent sa présence et comptent un butin tout frais. Le partage tourne mal : le chef veut s'octroyer la plus grande part. Pendant que les hommes s'entretuent, le garçon, sous la table, croque avec gourmandise dans sa pomme. Il finit par repartir vers la rue, une poignée de billets en poche.

Julie Cail est par ailleurs scripte de métier, une polyvalence technique qui transparaît dans le film. Pièce pour 3 personnages porte la précision sonore comme enjeu dramaturgique : le craquement de la pomme au moment où les hommes s'entretuent n'est pas un détail. C'est la chute du film. Cail travaille le son et l'image comme une partition, d'où le titre alternatif Partition pour 3 personnages qui circulait en développement.

Le registre film noir des années 1930 est assumé jusqu'au bout : photographie contrastée, cadre serré, économie de mots. Mais le vrai sujet du film est moral : dans un monde de violence entre adultes, c'est l'enfant, silencieux, pragmatique, invisible, qui repart avec l'argent. Un conte cruel qui ne cherche pas à moraliser, et c'est précisément ce qui le rend efficace.

Ces 5 films illustrent ce que j'aime dans le rôle de producteur sur le format court : accompagner des auteurs et autrices dans des registres très variés, absurde kafkaïen, comédie sociale, danse, minimalisme, film de genre, avec des moyens contraints mais une ambition intacte.

Chaque projet a ses propres défis de fabrication, son économie, ses partenaires.

Et c'est précisément cette diversité qui nourrit le métier.

👉 gaboriaud.net
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